Crítica publicada no Site Pecinha é a Vovozinha
Por Dib Carneiro Neto – São Paulo – 16.07.2018

L’apres-midi dun Foehn. Fotos: Jean-Luc Beaujault

FIT RIO PRETO

A eloquência do vento e os perigos da floresta, em dois espetáculos de carregadas simbologias

Leia nossos comentários críticos sobre as incríveis peças Tarde de Ventania, da França, e Chapeuzinho Vermelho, de Porto Alegre (RS), apresentadas no último fim de semana de programação do tradicional festival internacional de São José do Rio Preto

O FIT RIO PRETO – Festival Internacional de Teatro, em sua 18.ª edição, finalizou sua maratona de artes cênicas na cidade de São José do Rio Preto, no sábado, dia 14 de julho. Foram 10 dias ininterruptos de programação, 400 artistas, produtores e técnicos e 23 espetáculos nacionais e internacionais de vários gêneros e formatos, além das ações formativas e um ponto de encontro com intervenções e performances.

Segundo dados da Assessoria de Imprensa Nossa Senhora da Pauta, o festival atingiu 25 mil pessoas, em 16 locais diferentes da cidade de Rio Preto. A curadoria foi formada por Janaina Leite, atriz do Grupo XIX de Teatro; Marcos Bulhões, diretor, ator, professor e pesquisador de teatro, e Sérgio Luis Venit de Oliveira, assessor da Gerência de Ação Cultural do Sesc São Paulo.

Estive lá para conhecer as atrações destinadas ao público de todas as idades, ou seja, peças em que criança também era o público-alvo. Eram quatro peças, no total. Duas delas eu já conhecia: Gagá, de Marcelo Romagnoli, com a Cia. Bendita, e Eufonia, da Cia. dos Pés. Já escrevi sobre ambas.

As duas que eu não conhecia eram Tarde de Ventania – Versão 1, da Compagnie Non Nova, da França, e Chapeuzinho Vermelho, de Joel Pommerat, com Rococó Produções e Projeto Gompa, de Porto Alegre (RS). Valeu a pena estar lá. Saí de ambas em estado de graça. Feliz com a qualidade dos espetáculos e com o nível altíssimo de integração com as plateias. A curadoria acertou em cheio nas escolhas, pois, com Gagá e Eufonia, se formou assim um quarteto de espetáculos que não têm medo de arriscar, ousados, distantes esteticamente do que se convencionou chamar no Brasil de ‘teatro infantil’.

Começo falando do espetáculo francês, Tarde de Ventania ou L’Après-Midi d’um Foehn. Foi, pelo que ouvi, o espetáculo ‘queridinho’ da programação. Agradou a todos, atraiu filas e um boca a boca invejável entre o público da cidade. Em um espaço circular, rodeado por ventiladores potentes, a criadora Phia Mènard concebeu um espetáculo de uma beleza plástica inacreditável, utilizando a técnica de manipulação aérea – e bastante etérea – de meras sacolinhas de supermercado.

Esvoaçantes e coloridas, essas sacolas de plástico compõem um balé aéreo extremamente gracioso e vívido, movendo-se como bailarinas delicadas, leves como bolhas de sabão. É lindo observar as reações da plateia, os rostos que vão se iluminando aos poucos diante da força do inusitado, os sorrisos que despontam invariavelmente nas arquibancadas montadas em torno do espaço cênico. Mas não pense que, por tudo acontecer ao sabor do vento (os ventiladores são controlados pelo único ator em cena, Jean-Louis Ouvrard), o espetáculo resulte improvisado e dependente do mero acaso. Ao contrário. Tudo o que se vê é preciso e complexo, apoiado em técnica, engenho e princípios da Física.  Os dançarinos (sacos pláticos) são criaturas translúcidas que evoluem com a ajuda de uma espécie de tornado invisível, criado a partir dos mecanismos dos ventiladores. Eles desafiam a gravidade, giram, vibram e caem em cascata – tudo ao som de Debussy (Prélude à L`Àpres-Midi d’un Faune; Nocturne e Dialogue du Vent et de la Mer).

Os temas por trás de tanta plasticidade são urgentes e potentes: a força do sustentável, a interferência humana no meio ambiente, a eternidade versus o efêmero, a truculência, a esperança, a liberdade, o homem como criador e como destruidor. Ao ver este espetáculo da França, lembrei-me de um infantil brasileiro, Expedição Pacífico, de 2016, e senti o maior orgulho de nossa Cia. Truks de Animação, que também utiliza sacolas plásticas com incríveis efeitos de forma e conteúdo. As duas trupes mereciam interagir e cada uma conhecer de perto o trabalho da outra.

Com Chapeuzinho Vermelho, os gaúchos de Porto Alegre, por sua vez, levaram a Rio Preto um texto escrito em 2004 pelo autor e encenador francês Joel Pommerat, já conhecido no Brasil por peças como Esta Criança (dir. Marcio Abreu) e A Reunificação das Duas Coreias (dir. João Fonseca), além de Cendrillon (Cinderela) e Ça Ira, apresentadas em São Paulo no festival MIT de 2016. Como em Cinderela, Pommerat faz do clássico Chapeuzinho Vermelho uma releitura contemporânea apoiada em personagens que vivem os conflitos e as angústias típicos do século 21, como a solidão, a tristeza e o medo.

Assim, a menina Chapeuzinho – antes de sair pela estrada afora – é retratada como uma filha típica de pais ausentes, ocupados, relapsos, tragados pela rotina massacrante da luta pela sobrevivência e sem tempo para brincar com ela. A impressionante encenação da gaúcha Camila Bauer é quase um espetáculo-instalação, por causa da opção por manter em cena uma estrutura metálica vazada, que os atores movimentam coreograficamente de um lado para o outro em plástica harmonia com as intenções da dramaturgia, além do telão ao fundo que exibe o tempo todo imagens abstratas bastante condizentes com o ritmo da fábula. Essa cenografia é assinada por Élcio Rossini.

A inteligente dramaturgia de Pommerat – acentuada nas escolhas certas da encenadora brasileira e na tradução precisa de Giovana Soar – faz com que toda a primeira parte do espetáculo seja feita de teatro narrativo. A estrutura dialógica só surge quando o Lobo Mau entra em cena. Ou seja: além do objetivo de provocar uma mudança na estrutura da peça para valorizar a chegada de personagem tão emblemático quanto o Lobo, há uma clara intenção em realçar as falas do Lobo, em suas tentativas de seduzir a menina Chapeuzinho pela palavra, pela conversa. Esse lero-lero típico de um conquistador querendo capturar sua presa – nos mostra Pommerat – precisa estar presente em discurso direto para garantir a eficiência na fidelização do público, seja adulto ou infantil. É a mímesis vencendo a diegésis, de acordo com Platão e Aristóteles. A partir da presença física do Lobo na peça, mostrar (mímese) vira uma opção melhor do que contar (diegese). Achei isso genial.

Tiro o chapéu também para a excelente direção de elenco. A diretora não descuidou em nenhum momento da voz e do corpo de seus atores – e como isso tem se tornado raro… Guilherme Ferrêra, como o narrador-caçador, com direito inclusive ao clássico “Era uma vez…”, tem a voz perfeita e cadenciada para garantir o clima misterioso da narração fabular. Circula pelo palco com leveza e firmeza ao mesmo tempo, como um diáfano dono da história. Laura Hickmann acha o corpo certo para garantir à personagem Chapeuzinho Vermelho as vaciladas, as inseguranças e também as petulâncias e inconsequências do sempre conturbado rito de passagem da infância para a adolescência. Fabiane Severo garante bem as alternâncias entre mãe e avó.

Mas, a meu ver, o brilho maior fica mesmo com Henrique Gonçalves, na pele do Lobo. Já vi e elogiei incontáveis Lobos nos palcos de teatro para crianças, ao longo de mais de duas décadas de minha carreira de crítico. Porém, eis que surge em Henrique Gonçalves um Lobo arrebatadoramente novo e, ao mesmo tempo, deliciosamente clássico. Com máscara negra e caminhando agachado, com quatro apoios no chão (mãos e pés), o ator vira uma criatura feérica de cunho expressionista. Auxiliam nesta inesquecível composição o jogo de luzes e sombras da iluminação de Thais Andrade e a esperta trilha de suspense de Álvaro Rosa Costa.

Henrique rouba todas as cenas, aliás, rouba a peça para ele, como um Lobo absolutamente coreografado e com um trabalho corporal de extrema habilidade. Desfila com segurança entre o realismo e o fantasioso. Magnífica é também a visível irritação do Lobo Mau (que culmina com uma frase dita por Henrique de forma enérgica e assustadora), quando, já ‘disfarçado’ de Vovozinha, tenta trazer a netinha para a cama e a menina o enrola com respostas evasivas. Por sua ambiguidade e tensão, a cena é uma das melhores da peça, senão a melhor – um regozijo, uma força que prende a respiração da plateia, à espera de que a menina, enfim, vire ‘comida’ de lobo. A diretora Camila Bauer parece ter cuidado desta cena com a justa precisão cirúrgica que faz dela a grande cena de timing perfeito.